12 icônes américaines du design, des bottes de cow-boy au MacBook Air

Les interprétations contemporaines des icônes américaines de design ne font que nous rappeler l’extraordinaire et durable poids créatif des États-Unis. De l’interprétation fraîche de Pharrell Williams de la modeste botte de cow-boy à la dernière itération du MacBook Air d’Apple, et même aux boîtes de soupe mondialement reconnues d’Andy Warhol réservées sous forme de puzzle, voici les classiques américains qui nous incitent à en vouloir toujours plus.

Icônes du design américain

Bottes de cow-boy par Pharrell Williams

Pour sa deuxième collection en tant que directeur artistique du prêt-à-porter masculin de Louis Vuitton, Pharrell Williams a fait un voyage de Paris à la Virginie, unissant le savoir-faire français avec l’esprit pionnier de l’Ouest américain. Son interprétation monogrammée et à bout doré de la botte de cow-boy en est un exemple. Williams a parlé de son désir de fournir une vision plus étendue de l’archétype du pionnier, notant que les cow-boys noirs et amérindiens ont été parmi les premiers à partir vers l’ouest. C’était pour donner un avant-goût de l’épopée occidentale de Beyoncé, Cowboy Carter, que la chanteuse a taquinée lors des Grammy Awards 2024 en apparaissant dans un look en cuir clouté Louis Vuitton de Williams, accompagné du traditionnel chapeau de cow-boy blanc.

M3 MacBook Air par Apple

S’il y a un appareil qui incarne l’esprit de la créativité mobile moderne, c’est le classique MacBook Air d’Apple. Introduit pour la première fois en 2008, l’Air a comprimé le format du laptop moderne dans des dimensions jusqu’alors inédites ; c’était l’ordinateur portable le plus fin du monde au moment de son lancement et le premier ordinateur d’Apple avec un disque dur à semi-conducteurs, bien qu’il ait été compromis par la qualité de l’écran et la puissance. Ce n’est qu’à partir de 2020 qu’Apple a commencé à intégrer son propre silicium dans sa gamme d’ordinateurs portables pour que l’Air trouve vraiment sa place. La dernière édition, le M3 MacBook Air, est le choix par excellence pour la musique, la vidéo et la conception visuelle en déplacement, et gérera facilement l’intégration à venir de l’IA Apple Intelligence.

Sac ‘Black Rainbow’ par Telfar

Le designer américano-libérien Telfar Clemens a depuis longtemps évité les contraintes de l’industrie de la mode en refusant catégoriquement de se plier aux règles de l’establishment. Non genré et résolument démocratique, c’est le sac de shopping Telfar qui est devenu le symbole de l’approche non conventionnelle de sa marque éponyme. Basé sur la forme du sac de shopping de Bloomingdale, le sac fourre-tout en cuir végétalien arbore le logo Telfar, que Clemens dit avoir dessiné pour la première fois à l’école. Initialement vendu lors de précommandes ‘aveugles’, avec des prix commençant à 150 $ - une fraction du prix des sacs des maisons de mode de luxe qu’il imite avec humour - il est rapidement devenu un anti-symbole de statut. ‘Je veux créer un sac ‘it’ où le ‘it’ n’a rien à voir avec la domination’, déclare Clemens.

Lampe ‘Akari’ par Isamu Noguchi

L’artiste et designer américano-japonais Isamu Noguchi a conçu la première lampe de sa série ‘Akari’ en 1951 après une visite dans la ville japonaise de Gifu, connue pour ses lanternes traditionnelles en papier. Fabriquée à la main à partir de papier washi et de bambou, Noguchi a été fasciné par la manière dont ‘la rudesse de l’électricité est transformée par la magie du papier en lumière de notre origine - le soleil - pour que sa chaleur puisse continuer à remplir nos pièces la nuit’. Il en a créé beaucoup d’autres dans une variété de formes et de silhouettes. Au fil des ans, les lampes ont conservé leur charme intemporel et leur désirabilité, devenant l’une des pièces d’éclairage les plus reconnaissables jamais créées.

Sneakers Air Jordan 39 par Nike

On disait que Michael Jordan pouvait défier la gravité, un exploit sportif immortalisé par la silhouette sautante du basketteur, qui est apparue pour la première fois sur la troisième itération de la sneaker montante Air Jordan de Nike. Initialement sortie en 1984, 1,5 million de paires ont été vendues au cours des six premières semaines, dépassant largement les estimations de Nike, et Jordan a reçu une partie des bénéfices de chaque paire vendue, ce qui en a fait l’une des stars les plus rentables du monde. La nouvelle Air Jordan 39, sortie en juillet, a vu les designers de Nike Joël Greenspan et Bennett Shaw travailler directement avec Jordan sur la sneaker élégante et ergonomique, qui présente de longs panneaux de mousse Nike ZoomX rebondissante dans la semelle, aidant les professionnels et les amateurs à tenter d’atteindre les hauteurs vertigineuses de son homonyme.

Voitures ‘Americana’ par Candylab

Avec les icônes de l’automobile américaine pour la plupart des souvenirs lointains, il revient à Candylab, basé à New York, de satisfaire notre amour pour l’âge d’or de Detroit. Combinant des séries personnalisées faites à la main à New York et en Pennsylvanie avec une usine de fabrication à Ningbo, en Chine, Candylab est un fabricant de modèles en bois sur mesure dont l’éthique est que les jouets ne doivent pas coûter cher. Chaque modèle stylisé est fabriqué à partir de bois massif provenant de forêts gérées en Amérique du Nord, coloré avec des peintures non toxiques et emballé dans du papier et du carton solides. Et la flotte ‘Americana’ de Candylab ne se limite pas aux muscle cars ; il y a aussi des voitures de police, des vans aménagés, des wagons de surf en hêtre, des taxis jaunes, des tout-terrains et bien d’autres encore.

Collection de bijoux ‘Lock’ par Tiffany & Co

Les cadenas ont commencé comme des objets purement fonctionnels pour Tiffany & Co, qui les vendait dans ses collections d’articles ménagers. Puis, dans les années 1950, les cadenas ont commencé à être repensés sur le plan esthétique, apparaissant sur des colliers, des broches et des porte-clés, une histoire évoquée dans la sortie de la collection ‘Tiffany Lock’ en 2022. Dans ces pièces, les détails superflus sont mis de côté au profit de silhouettes épurées. Les bracelets, un ovale allongé disponible en or jaune, rose ou blanc, sont parsemés de diamants, ou restent purs et sans ornements. Au centre de l’attention se trouve le mécanisme de cadenas lui-même, avec une fonction d’ouverture et de fermeture qui fait écho à la pivotante agréable de l’objet. Frais, propre et cool, le ‘Tiffany Lock’ est devenu le synonyme du design de bijoux classique américain.

Chaise ‘1006 Navy’ par Emeco

L’histoire d’Emeco commence en 1944 lorsqu’elle a été chargée de fabriquer une chaise en aluminium de récupération pour la marine américaine pendant la Seconde Guerre mondiale et, au fil des ans, la marque de meubles est devenue une légende dans son domaine, continuant à se concentrer sur un design supérieur et durable. Virtuellement indestructible, la chaise ‘1006 Navy’ est restée inchangée depuis sa création : elle est toujours fabriquée à la main à partir d’aluminium de récupération à l’usine Emeco à Hanovre, en Pennsylvanie, avec un processus en 77 étapes comprenant le meulage, le traitement thermique, l’anodisation et le brossage. Les origines de la chaise ‘1006 Navy’ ont également incité Emeco à poursuivre davantage de pratiques de design de meubles durables, avec un catalogue de sièges fabriqués à partir de bouteilles en PET recyclées, de bois abandonné et d’éco-béton.

Uniforme par Thom Browne

Thom Browne est bien connu pour sa couture, souvent rétrécie en proportion, et largement d’un ton de gris moyen. D’autres motifs pérennes sont ses quatre rayures signature, qui courent autour de la manche d’une chemise ou à travers une cravate, rappelant les vêtements de sport américains. Cela crée un uniforme simple pour les adeptes de Thom Browne, qui suivent simplement ses diktats de style : il préfère une chemise non repassée (avec un bouton du haut défait), rentrée et portée avec un costume gris, une cravate étroite et une pochette blanche. Une esthétique si nettement définie - qui peut basculer dans le surréalisme lors de ses défilés - l’a vu devenir l’une des figures les plus connues de la mode américaine, prenant la relève de Tom Ford en tant que président du Council of Fashion Designers of America (CFDA) en 2023.

Parfum CK One par Calvin Klein

Si les années 1990 devaient être encapsulées dans un parfum, ce serait les tons citronnés scintillants du CK One de Calvin Klein, sorti pour la première fois en 1994 et un best-seller depuis. Marquant un changement olfactif par rapport aux parfums français enivrants qui dominaient la décennie précédente, il capturerait le minimalisme épuré et la sensualité brute de l’époque, conçu pour la peau des hommes et des femmes, une première en marketing (‘un pour tous’, disait son slogan). Sa campagne accompagnante, photographiée par Steven Meisel, mettant en vedette Kate Moss et un groupe de mannequins en sous-vêtements et en denim, reste une image de mode durable et souvent reproduite, tandis que le flacon lui-même - en verre blanc givré avec un bouchon en métal et le logo CK One estampillé - reste un emblème du design de produit des années 1990.

Peintures de boîtes de soupe par Andy Warhol

Qu’on les aime ou qu’on les déteste, les boîtes de soupe d’Andy Warhol ont ouvert grand la conversation autour de l’art moderne lors de leur exposition à la Ferus Gallery de Los Angeles en 1962. Warhol, qui souhaitait célébrer la distribution internationale de produits homogènes comme un signe de démocratie, a reproduit les boîtes de soupe Campbell rouges et blanches qu’il avait pour son déjeuner tous les jours en utilisant la technique de sérigraphie précise qui est rapidement devenue synonyme du mouvement Pop Art. Les boîtes de soupe sont devenues un motif du capitalisme occidental et de la culture de consommation effrénée, cimentant à jamais les liens entre la publicité et l’art - mais la Campbell’s Soup Company, au moins, était satisfaite. En 1964, elle a commandé une soupe classique à la tomate pour son président du conseil sortant.

Casquette de baseball par Polo Ralph Lauren

Il y a peu de choses plus synonymes du style américain que Polo Ralph Lauren. Ornées du motif ‘pony and rider’, les collections ont fini par incarner une vision de l’aisance américaine, reflétée dans des campagnes aérées et aspirantes où les mannequins folâtrent au milieu de paysages édéniques, souvent avec l’océan Atlantique scintillant au loin. Le symbole Polo serait également adopté plus tard par les sous-cultures suburbaines de l’Amérique, des skateurs aux artistes hip-hop et, de l’autre côté de l’Atlantique, les stars du Britpop des années 1990. Les saisons récentes ont vu le motif du poney Polo Ralph Lauren devenir à nouveau omniprésent, faisant partie d’un renouveau préppy croissant - notamment la casquette de baseball classique et tout américaine, preuve que le classique ne se démode jamais.

Cet article apparaît dans le Wallpaper d’août, célébrant l’Amérique créative, en vous inscrivant à notre newsletter quotidienne, en version imprimée en kiosque à partir du 4 juillet, sur l’application Wallpaper sur Apple iOS, et pour les abonnés d’Apple News +.

Source de l’article